Funktion: King of Pop Andy Warhol
Andy Warhol var en førende figur i popkunstbevægelsen, der dominerede den moderne kunstscene fra 1960'erne. Hans arv er vedvarende. I 2012 monterede Metropolitan Museum of Art udstillingen 'Regarding Warhol: Sixty Artists, Fifty Years', der viser 45 Warhol-værker sammen med 100 værker af 60 andre kunstnere oprettet som svar på eller påvirket af hans værker. På skærmen var værker fra Jean-Michel Basquiat til Ai Weiwei, der spænder over medierne fra malerier til fotografier.
Det er ikke kun inden for kunst, at Warhols indflydelse er betydelig. I 2014 arbejdede Diane von Furstenberg sammen med Andy Warhol Foundation for Visual Arts for at skabe en kapselkollektion, der fejrede 40 år af hendes ikoniske indpakningskjoler med prints af Warhols værker, som f.eks. Serien 'Flower', som han startede i 1964. Tidligere i 2013 havde Prada brugt den samme serie til motiver i sin forår / sommer kollektion. Her er et kig på Warhols bidrag til popkunst, og hvorfor han forbliver relevant og populær i dag.
Triple Elvis (Ferus Type), 1963
Fødsel af popkunst
Pop art er en international kunstbevægelse, der begyndte i slutningen af 1950'erne og begyndelsen af 1960'erne. Udtrykket blev opfundet af den engelske kunstkritiker Lawrence Alloway i 1958 for at henvise til populære kunstformer, såsom reklame og film. I Storbritannien blev kunstnere som Peter Blake og Richard Hamilton tilknyttet popkunst som kunstbevægelse. Hamiltons berømte værk, 'Hvad er det, der gør dagens hjem så forskellige, så tiltalende?' (1956) indeholdt et stue lavet af udskæringer fra forskellige magasiner og fotografier.
Det var imidlertid i Amerika, at popkunst, som vi kender den i dag, eksploderede i de tidlige 1960'ere, med Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist og Tom Wesselmann hurtigt etablerede deres popkunstneridentiteter gennem kunstværker, der genanvendte hverdagens genstande til værker af kunst.
Ud over at bruge forbrugerprodukter som emne, adopterede popartister også den stil, der blev brugt i deres produktion eller markedsføring. For eksempel brugte Lichtenstein Benday-prikker - farvede prikker, der blev placeret jævnt i et bestemt område, ofte anvendt i avis- og magasinreklame - til hans opblåste rammer af tegneserier.
For Warhol gentog hans gentagne silketryk udskrivning af billeder processen med masseproduktion af forbrugerprodukter. Kunstneren havde spurgt i et interview, "Årsagen til at jeg maler på denne måde er, at jeg vil være en maskine, og jeg føler, at hvad jeg end gør og gør maskinlignende, er det, jeg vil gøre."
Warhols arbejde som kommerciel kunstner banede vejen for hans popkunststil, som bar den polerede æstetik i reklamekampagner, som han var vant til at arbejde på. Efter uddannelsen fra Carnegie Institute of Technology flyttede Warhol fra Pittsburgh, Pennsylvania, hvor han blev født og opvokset, til New York i 1949. Han havde en succesrig karriere som kommerciel kunstner i 1950'erne og skabte modeillustrationer til Harper's Bazaar og andre magasiner og vinduesvisninger i stormagasiner såsom Bonwit Teller.
Marlon, 1966
Faktisk havde Warhol fingeren på pulsen på, hvad der appellerede til masserne, og demokratiserede kunst med sine let forståelige værker. Warhol hævdede engang, at seerne tog pop-art, fordi "det ligner noget, de ved og ser hver dag". På grund af dens tilgængelighed appellerede popkunst til et bredt publikum, der traditionelt ikke var interesseret i kunst, og modtog dækning allerede i 1962 i massemediemagasiner som Time and Life.
Ikoniske værker
Det mest genkendelige af Warhols værker er 'Campbell's suppe dåser' (1962), der indeholder 32 lærreder, der viser håndmalede gengivelser af de 32 forskellige suppesorter Campbells suppe-selskab, der blev tilbudt på det tidspunkt. Disse blev først vist på Ferus Gallery i Los Angeles i 1962 af galleristen på en afsats, som om de var på en hylde, der skulle købes.
Mangfoldigheden af et billede i Warhols arbejde gjorde opmærksom på det valgte objekts allestedsnærværende. '100 Dåser' (1962) er et andet tidligt værk med Campbells suppe dåser. Det blev malet for hånd med brug af stencils. '200 One Dollar Bills' (1962) fra 'Dollar Bill' -serien, der indeholder et 20-til-10-rutenet med dollarsedler blev oprettet baseret på den samme idé og ved hjælp af den samme metode.
En anden husholdningsartikel, der opnåede ikonisk status i Warhols hænder, var 'Brillo Box', blandt andre kartonvarer, som Warhol gengav som treskulpturer og screenede deres emballage på krydsfinerblokke. Disse blev udstillet på Stable Gallery i 1964.
Serien 'Død og katastrofe' er et mindre uskadeligt sæt værker, der inkluderer værker som 'Orange Car Crash Fourteen Times' (1963). Warhol foto-silkscreenede billeder af tragedie fra aviser gentagne gange på tværs af et lærred. Dette blev gjort ved overførsel af billeder fotografisk til skærmene, en kommerciel udskrivningsteknik, han vedtog fra slutningen af 1962. Resultatet var skarpere billeder end de håndmalte, han tidligere havde produceret.
Serien blev første gang udstillet i Ileana Sonnabends galleri i Paris og var kunstnerens europæiske soloshow. I øvrigt er Warhols dyreste værk, der er solgt på auktion til dato, fra serien, hvor 'Silver Car Crash (Double Disaster)' (1963) hentede en hammerpris på 94 millioner dollars på Sotheby's i november 2013.
Warhol udbredte også billeder af berømtheder i sit arbejde, såsom Marilyn Monroe i 'The Marilyn Diptych' (1962) og 'Gold Marilyn Monroe' (1962). Den varige appel til popartistens værker kan ses i de priser, de har hentet på de seneste auktioner. Christies New York tilbød i november 2014 'Triple Elvis [Ferus Type]' (1963) med en livsstor Elvis Presley i tre eksemplarer og 'Four Marlons' (1966), en gengivelse af en stille fra kult 1953-filmen ' Wild One 'med Marlon Brando. De to stykker hentede henholdsvis 73 millioner dollars og 62 millioner dollar.
Da han lavede sine kunstværker ved hjælp af readymade-billeder og et transportbåndssystem til trykning og anvendelse af farve, var der kontrovers om forfatterskabet af hans værker, hvor deres mekaniske produktion blev henvist til hænderne på hans assistenter i hans atelier, passende kaldet The Factory. Dette forudsigede den praksis, som mange moderne kunstnere anvender ved at ansætte kunstnerassistenter til at fremstille deres kunstværker baseret på de ideer, de kommer med.
Fotografering og film af livet
I et andet fremtrædende træk dokumenterede Warhol omhyggeligt sin daglige liv på en lydbåndoptager og et kamera, længe før fremkomsten af sociale medier som Instagram og oprettelsen af sociale påvirkere. Warhol havde forklaret, ”Et billede betyder, at jeg ved, hvor jeg var hvert minut. Derfor tager jeg billeder. Det er en visuel dagbog. ”
Blandt de billeder, han tog med sit Polaroid-kamera, som han havde med sig fra slutningen af 1950'erne, var hundreder, måske endda tusinder af stillbilleder af alt fra detaljerne i hans daglige liv på fabrikken til den tid, der blev brugt på steder som Studio 54 i 1970'erne. Det er ikke overraskende, at han engang sagde: ”Min idé om et godt billede er i fokus og en berømt person”. Mange af polaroiderne var hovedbilleder af berømtheder, der arbejdede inden for musik, mode og film, og inkluderede mennesker som sangerinnen Dolly Parton, moderedaktøren Diana Vreeland og skuespilleren Jack Nicholson.
Campbells suppe dåser, 1962
Ikke kun var Warhols værker ikoniske, han var selv blevet et ikon. For eksempel i stedet for at lægge et Warhol-kunst på forsiden af udgaven af ArtForum fra december 1964, der indeholdt kunstneren, var der et fotografi taget af ham af skuespiller Dennis Hopper, der blev fortalt på forsiden, som vidner om hans berømthed og hans signaturpop kunststil på én gang.
Mens Warhol fortsatte med at skabe værker i sin øjeblikkeligt genkendelige stil, såsom den maleriske silkeskærmede 'Mao' -serie i legende farvekombinationer i begyndelsen af 1970'erne, var han begyndt at bevæge sig ind i filmproduktionen fra 1963. Han producerede film som 'Sleep '(1963), der indeholder optagelser af en ven, der sover i over fem timer, og den tilsvarende statiske otte timers lange sort-hvide film' Empire '(1964), der viser imperiets statsbygning fra lys til mørke.
Det var med 'The Chelsea Girls' (1966), at Warhol nød kommerciel succes for sit filmarbejde. Forskellige optagelser blev spillet på to skærme samtidigt med samtaler og monologer med hans muses, eller personer, som han fandt interessant. De blev kaldt Warhol-superstjerner og hængt ud på fabrikken. Baseret på troen på, at "alle vil være verdensberømte i femten minutter", rekrutterede han dem til at deltage i hans værker, såsom i denne film, som inkluderede sanger-sangskriver Nicos og model og skuespillerinde International Velvet.
Guld Marilyn Monroe, 1962
Leaving a Legacy
Warhol var revolutionær med at komme med nye ideer til at fange sit liv som kunst. Fra illustrering til maleri til silketryk til filmfremstilling søgte han ved enhver tur at prøve innovative måder at fange livets skønhed og mærkelighed i lige store dele. Hans cirkel af berømthedsvenner troede på en indadvendt karakter, der gav ham en skarp følelse af observation af livet, hvilket kommer igennem i hans visuelt indflydelsesrige værker, der forbliver efterspurgt til i dag.
I Singapore Art Week 2016 vil udstillingen 'Andy Warhol: Social Circus' blive vist på Gillman Barracks, muliggjort af The Ryan Foundation, oprettet af naturentusiast og kunstsamler Ryan Su i december 2012 for at fremme naturbeskyttelse og kunstundervisning , herunder organisering af kunstudstillinger for offentligheden.
Udstillingen indeholder den største samling af polaroider, der nogensinde er vist i Asien. Cirka 30 polaroider, der er trukket fra Ryans samling og en anden oversøisk privat samling, vil fremhæve, hvem der er hvem i New York-berømthedsscene fra 1960'erne til 1980'erne, herunder Warhol selv, ligesom Bianca Jagger, Paul Anka og Keith Haring .
Kurator Khim Ong, der har arbejdet tæt sammen med Ryan for at sammensætte showet, ser muligheden for at tilskynde private samlere til på lignende måde at dele deres samlinger med offentligheden. Når hun taler om værdien af de polaroider, der vil blive vist, bemærker hun, at da de ikke var lavet udtrykkeligt som kunstværker, men muligvis som arkivmateriale eller kildemateriale, kan de give værdifuld indsigt i kunstnerens praksis, som i betydelig grad handlede om at lave hans liv hans kunst.
Art Republik taler med Ryan Su om hans samling af Warhol Polaroids som en del af hans bredere samleinteresser, hans arbejde med fundamentet og hvad han håber at opnå med udstillingen.
Race Riot, 1964
Hvordan kom du på titlen 'Andy Warhol: Social Circus'?
Warhol blev oversvømmet med billeder af popkultur i sine tidlige, formative år.Han elskede magasiner, var vidne til introduktionen af tv, shoppinggaden i high street og samlet fotos af stjerner. Denne visuelle kultur var rettet mod forbrugerisme. Men fra en fattig familie fra Pittsburgh kunne han ikke deltage i den. Som en outsider var han en observatør, der kiggede ind. Senere i livet og i den fulde cirkel omringede berømtheder, kunstnere og modedesignere ham som hans berømmelse som popkunstner steget op. På The Factory og Studio 54 udvides hans sociale kreds hver nat - til også at omfatte socialites, armaturer i sølvskærm og denizens i New York underverden og modkultur, såsom drag dronninger og stofmisbrugere. Men med deres shenanigans, LSD, alkohol, debauchery og kunstfremstilling blev det snart et 'socialt cirkus'.
Hvornår begyndte du at være interesseret i kunst?
I lang tid fandt jeg den type kunst, jeg var interesseret i, skræmmende hængende mod hvide vægge, der var beskyttet af kolde gallerister. Jeg er sikker på, at mange mennesker, der er interesseret i at se kunst, ville have den samme stemning. Mine forbehold har vist sig at være sandt i et omfang. Ikke desto mindre har jeg mødt nogle af de mest varme, venlige, generøse og fascinerende mennesker i kunstverdenen. En del af det, jeg ser mig selv gøre med The Ryan Foundation, er at nedbryde grænserne mellem kunstverdenen og 'offentligheden'. At gøre et show som dette ville gøre netop det!
Hvornår begyndte du at indsamle? Har din samling et specifikt tema eller fokus?
Min kunstsamling startede ved et uheld i London, hvor jeg gik for at studere kunstret. Jeg er inspireret af naturen og samler en masse værker, der skildrer naturen, selv i abstrakt form - men nogle gange afviger jeg. Jeg samler værker fra kun et lille antal kunstnere. Jeg kan godt lide at lave min egen research og grave dybt ned i deres oeuvres og bygge en meningsfuld samling derfra. Jeg kan også godt lide at udforske dele af deres oeuvres, der har fået en lille opmærksomhed eller er glemt. Det er denne forfølgelse, der holder mig i gang.
Hvordan kom du til at eje dine første Andy Warhols polaroider?
Warhols Polaroids er overbevisende. Den sociale relevans af Warhols selvportræt Polaroid er vanskeligt at gå glip af i denne verden af selfies - hvor narcissisme, selvbedømmelse, perfektion og selvbillede gennemtrænger.
Jeg købte min første Polaroid, da jeg studerede i England. Men meget kort efter forsøgte jeg at slippe af med dem og sælge dem, fordi jeg ikke kunne beholde dem ordentligt. På det tidspunkt havde jeg ikke en ordentlig kunstoplagringsfacilitet, og jeg vidste, at det at ødelægge dem til Singapore ville ødelægge dem, da det tropiske klima ikke var det mest ideelle. Flere år senere beklager jeg dybt min beslutning om at slippe af med dem, da jeg havde nogle fantastiske. Nu, med en ordentlig lagerfacilitet, har jeg opbygget samlingen igen. Bedre endnu, de har nu et publikum!
Et portræt af kunstsamler Ryan Su
Hvad tror du, der gør Andy Warhol til en så vigtig figur inden for moderne kunst og kultur?
Jeg mener, at det mere relevante og vigtige argument for, hvorfor Warhol er en så vigtig figur, er, at han er en visionær. Warhol havde en enorm fremsyn. Han dybt i ting og stilarter, der i sidste ende ville blive trends. Hvem vidste, at camouflagetryk ville tage modeverdenen med storm, selfies ville være dille, eller at folk ville være berømte bare for at være berømte?
Hvad er favorit Andy Warhol arbejde?
Blandt mine favoritter i denne udstilling var Bianca Jagger Polaroids. De er sjældne i den forstand, at de danner en triptyk. Det smukke ved Polaroid er, at den eneste måde at 'gengive' dem på var at knap flere skud - og hver Polaroid er unik og speciel, efter at have været taget op ad sekunder. De viser observatøren, hvad Warhol selv ser gennem de flere rammer, som hans berømthedsemne udgør, næsten som en animation. De høje kontrastbilleder skabt af Polaroid-kameraet udeladte pletter og ufuldkommenheder - hvilket fremmer Warhols forfølgelse efter perfektion og glamour. Bianca Jagger Polaroids indkapsler hans signaturstyling og teknik. Hun har det godt - hendes hår, ansigt og nakke er helt fantastisk.
Hvordan tog denne udstilling form?
Jeg havde ideen om at arrangere en privat middagsselskab for at gå sammen med et privat show, der ville omfatte Warhol Polaroids under Singapore Art Week 2016 for mine specielle gæster, der ville flyve ind til kunstmessen og forskellige arrangementer. Jeg besluttede senere at gøre det til et offentligt show i stedet. Det ville være forbløffende at dele med alle disse Polaroids taget for årtier siden og for folk at skabe forbindelse med selfies i dag.
Historiekreditter
Tekst af Nadya Wang
Denne artikel blev oprindeligt offentliggjort i Art Republik
Alle Polaroids høflighed Ryan Foundation. Alle andre illustrationer med tilladelse fra Andy Warhol Foundation
