Interview: Kunstner Jane Lee
Singapore kunstner Jane Lee er kendt for sit innovative arbejde i malerier. Hun vender konstant det traditionelle medium på hovedet og udforsker nye muligheder for at præsentere malerier som kunstværker, som ikke er begrænset af lærredets rammer.
For hendes nyligt afsluttede bopæl ved Singapore Tyler Print Institute (STPI) tog Jane en pause fra at male til fordel for at eksperimentere med andre medier og har skabt en ny mængde arbejde, der vil overraske og glæde publikum, der kender hendes tidligere værker.
Art Republik sætter sig sammen med Jane for at finde ud af mere om hendes kærlighed til maleri, udviklingen af hendes arbejde gennem årene og hendes show, 'Freely Freely' på STPI, som vil køre under Singapore Art Week tidligere i år.
Status, 2009
Hvordan har dit arbejde udviklet sig gennem årene? Hvad ændrer dit arbejde fra stykke til stykke?
Jeg havde ingen idé om, at jeg ville blive kunstner på fuld tid; Jeg havde ønsket at blive modedesigner. Så alligevel startede jeg med maleri. Ideen med maleri er, at det er et to-dimensionelt objekt på væggen, men jeg så gradvist mit maleri som installationer. For mig er væggen, som maleriet er monteret på, en del af værket, fordi hvad der er omkring maleriet, interagerer med det.
Hvad gør det at male et så overbevisende medium at arbejde i?
Jeg kan godt lide farve, og jeg kan godt lide fornemmelsen af at lege med maling. Selv lugten af maling appellerer til mig. For ca. 10 år siden, da jeg blev alvorlig med at male, begyndte jeg at stille spørgsmålstegn ved, hvad essensen af maleri var. Jeg spurgte mig selv, om der var andre måder at fremstille malerier på, og så på den traditionelle proces og teknikker, der gik ind i fremstillingen af et maleri. Sådan begyndte jeg at lege med mediet.
Caged Birds, 2015
Kunne du lede os gennem processen med at skabe et kunstværk, fra konceptet til udførelsen?
Jeg er meget en praktisk person. Da jeg først begyndte at male den traditionelle måde, planlagde jeg meget og ville sætte mig ned og skabe kompositioner til mine værker. Det hele ændrede sig i 1999, da jeg rejste til London for at finde ud af mere om nutidig kunst. Jeg deltog i et workshop, hvor forelæseren kastede maling på papir på gulvet og instruerede klassen til bare at lege. Det var en øjenåbner for mig. Og det blev det, jeg ville gøre. Jeg var klar over, at når jeg planlagde alt, ville der virkelig ikke være noget liv i arbejdet. Jeg begyndte at gå mere med mine instinkter og lege.
Hvordan ved du, hvornår et kunstværk er afsluttet?
Jeg formoder, at et kunstværk aldrig rigtig kan afsluttes. Hvis et arbejde taler til mig, er det gjort. Det er mere følelsesladet end intellektuelt. Jeg taler meget til mit maleri. Det er en interaktiv proces. Malerier er på en måde levende, selvom de ikke taler. De har visse tendenser. Der foregår en slags forhandling mellem kunstneren og værket i processen med at fremstille kunst.
Sæt mig fri VI, 2015
Hvordan går du i at vælge de værktøjer, du bruger til at lave dine kunstværker?
Traditionelt fremstilles malerier ved hjælp af børster og fortæller oftere end ikke en historie. Jeg finder værktøjer fra min daglige liv, såsom køkkenredskaber, til at gøre min kunst.
Kunne du lede os gennem processen med at lave et kunstværk?
Nå, om morgenen, når jeg kommer til mit studie, føler jeg mig måske temmelig glad og vil bruge lyserød, men når dagen skrider frem, og måske lytter jeg til sange, så kan mit humør ændre sig, og så bliver mit maleri kan vise sig at være lidt mørk. Jeg kan ikke lide at tvinge noget til at ske. På en måde afhænger udviklingen af et arbejde af, hvordan jeg har det på en bestemt dag.
Hvor lang tid tager det dig at færdiggøre et kunstværk?
Ved store værker kan det tage seks måneder til et år. Nogle gange arbejder jeg på et stykke og derefter halvvejs igennem, der er ingen energiflow, og derfor ville jeg lægge det til sidst og vende tilbage til det på et senere tidspunkt.
Ophængning VI, 2015
Kasserer du værker?
Mange.
Hvordan bestemmer du, hvad du skal beholde?
Du ved bare.
Er processen med at gøre dine illustrationer vigtigere end udseendet på det endelige produkt?
Jeg vil sige, at hvis det er ude af 100%, tæller processen 80%, og det endelige produkt tæller 20%.
Vil du have folk til at være nysgerrige efter processen?
Selvfølgelig. Det ville være dejligt at se ud over overfladen og farverne. Jeg vil gerne få dem til at stille flere spørgsmål om maleri som medium og om processen med at fremstille et maleri.
100 ansigter, 2014
Kunne du tale om din daglige rutine som kunstner?
Jeg starter min dag med yoga og meditation. Det er vigtigt at holde mig mere i overensstemmelse med mig selv. Så går jeg til mit studie, og jeg begynder at arbejde. Hvordan jeg arbejder er afhængig af de frister, jeg har. Hvis jeg er i en hast og er nødt til at arbejde meget intenst og sige til et solo show, ville jeg så nægte at gå tilbage i studiet bagefter i ganske lang tid. Når det er sagt, tænker jeg altid, kigger rundt, leder efter inspiration fra mit daglige liv, hvad enten det er fra en morgenvandring eller i en samtale med nogen.
Søger du inspiration fra at gå på museet eller deltage i andre kunstneres udstillinger?
Faktisk undgår jeg at se for meget af andre kunstners værker. Hvis du ser for meget, vil nogle gange nogle ting, jeg kan lide, sive ubevidst ind i mit arbejde. Hverdagen er min inspirationskilde, hvad enten det er fra en morgenvandring eller i en samtale med nogen. Ting, jeg ser omkring mig, hvad folk siger - det er de små ting, der er mine inspirationskilder.
Har du nogen kunstnere, du kiggede op til, da du først startede?
Det ville være Robert Ryman. Det, der er fascinerende ved ham, er, at han ikke er maler ved træning. Jeg tror, at fordi han ikke har byrden af at vide, hvad en maler skal gøre, er han i stand til at komme med sine forfriskende kunstværker.
Opvågning, 2015
Men synes du det er vigtigt først at lære det grundlæggende?
Jeg tror, at grundlæggende viden kan tjene en maler godt til at levere teknisk know-how, såsom med farveblanding. Når først disse færdigheder er indlært, er det sandsynligvis først, når de droppes, at der kan skabes noget nyt.
Hvad kommer først: titlerne på dine malerier eller selve malerierne? Hvordan fungerer titlerne, såsom 'Status' (2009), der er i den permanente samling af Singapore Art Museum eller '100 Faces' (2014), der vises på din separatudstilling i Sundaram Tagore Gallery, Singapore, sammen med dine malerier til kommunikere med publikum?
Med 'Status' stillede jeg spørgsmålstegn ved maleriets status. Jeg fik at vide af en af kuratorerne for Singapore Biennale 2008, at jeg ville være den eneste maler, der udstiller. Den samtale blev hos mig. Jeg fandt det overraskende, at der var så få malere i kunstscenen, da de fleste kunstnere sandsynligvis begyndte at blive trænet som malere. Jeg tænkte da, at måske maleri som et medium var død, og der ikke længere var plads i det til at spille. Kunstværket er en udforskning af maleriets tilstand i den regionale samtidskunstscene.
Med '100 ansigter' husker jeg, at jeg tænkte, at folk var ivrige efter at vise store malerier, der var meget tunge. Jeg besluttede at opdele mit arbejde i 100 mindre og mindre tunge stykker, der kunne sættes sammen til et stort maleri. Derudover var det også en kommentar til, hvordan et maleri kunne have mange ansigter, eller at der kunne være mange måder at skabe et maleri på, og endvidere at folk har forskellige karakterer, der dukker op i selskab med forskellige mennesker.
Deler du disse historier om oprettelsen af disse kunstværker med det generelle publikum?
Normalt ville jeg ikke dele, selvom hvis folk skulle spørge, ville jeg være glad for det. Jeg vil ikke pålægge seeren for meget og diktere, hvad de ser i kunstværkerne.
Bare et øjeblik, 2015
Lad os tale om dine nye værker på STPI, som ikke er fokuseret på malerier. Det er en ny retning for dig. Er dette en bevidst beslutning?
Jeg havde ønsket at komme ud af at male et stykke tid, men havde ikke fundet nogen undskyldning for at gøre det. Jeg troede, at dette ville være en god chance for at udforske alt andet end maleri og til at udnytte faciliteterne på STPI godt. Det var god timing, at jeg blev inviteret på dette tidspunkt.
Hvorfor titlen 'Freely, Freely'?
Jeg ønskede en positiv titel til showet. Min tilgang til at lave min kunst er en glad. At blive fanget og være fri er to temaer i udstillingen. Med serien 'Coiling' kan for eksempel processen med opvikling af papiret give en følelse af at blive fanget. Stifterne i spolerne giver et stærkere visuelt udtryk for at blive fanget. På nogle af værkerne sidder der fugle på stifterne, som kunne ses som symboler på frihed.
Bortset fra papirværker arbejdede du også med akryl i showet. Hvordan blev det?
Teamet hos STPI er meget åbent for ideer. Jeg besluttede at eksperimentere frit og har inkluderet video og animation samt kombineret papir med andre medier, såsom papir med lyd og papir med akryl.
Hvordan har teamet på STPI skubbet til din kunstneriske praksis?
I det meste af min karriere har jeg arbejdet alene i mit studie. Ofte, når jeg har disse små skøre ideer, hvis det er mig alene, ville det være vanskeligt og kan tage længere tid, og jeg kommer ikke rundt og arbejder med dem. At arbejde her på STPI har fået mig ud af min komfortzone. Det dygtige team af mennesker her hjalp mig med at brainstorme og se mulighederne, og mine ideer kunne realiseres på meget kort tid.
Tror du, at efter dette show, vil du nærme dig din praksis anderledes?
Jeg er en maler i hjertet, og der er stadig plads til at lege med maling. Hvad slags maleri, og om det vil svare til det, jeg har lavet, er jeg ikke sikker på. Hvad jeg har opdaget her på STPI, vil bestemt have en vis indvirkning, men jeg kan virkelig ikke svare på dette tidspunkt, hvad jeg ville gøre. Jeg kan godt lide ideen om ikke at vide. Hvis jeg allerede ved det, ville jeg ikke gøre det. Jeg vil begejre seeren, men for at gøre det skal jeg først gøre det for mig selv.
Historiekreditter
Tekst af Nadya Wang
Denne artikel blev oprindeligt offentliggjort i Art Republik.
Billeder med tilladelse fra STPI
