Kunstudstilling i Singapore: 'We Are the World - These Are Our Stories' af Amanda Heng på STPI

”Alle har denne vane at beholde noget, såsom en fødselsdagsgave, souvenirs og så videre,” hævder den singapanske kunstner Amanda Heng, ”Hvordan opfatter vi værdien af ​​denne slags samling? Jeg synes, disse ting er meget meningsfulde, ikke kun fordi de kommer fra en ven eller nogen vigtig, men de har også en bredere betydning, der vedrører vores identitet, vores værdier og vores overbevisning. ” Dette er forudsætningen for Hengs nye udstilling 'Vi er verden - Disse er vores historier' på Singapore Tyler Print Institute (STPI) fra 7. januar til 25. februar 2017, hvor hun udforsker personlige levede oplevelser og deres potentiale til at forbinde os alle.

Udstillingen, der starter STPIs 15-års jubilæum, begyndte med Hengs bopæl i STPI i april 2016, da hun først bad STPI-teamet, og til sidst andre deltagere gennem mund til mund, om at bringe et enkelt værdsat objekt. Blandt de genstande, der blev bragt, var mønter, en madkasse og en vaskeffel.

Kunstnerens praksis, der spænder over to årtier, har været baseret på samarbejdsmæssige og tværfaglige former for kunstfremstilling. Mest kendt for hendes performancekunst, et af hendes tidlige værker var 'Let's Chat' (1996), hvor hun snakede med publikum, mens hun drak te og fjernede tips om bønner, for at minde om enkle livsglæder fra en svunnen tid i lyset af de materielle fremskridt i Singapore. I øvrigt fandt dette sted under Hengs første ophold på STPI.

Et andet arbejde, der involverede publikums deltagelse, var 'Let's Walk' (1999), hvor kunstneren og medlemmerne af publikum gik baglæns med højhælede sko i munden og fortsatte deres vej ved hjælp af håndholdte spejle. Dette var en kommentar til Singapore kvinders motivation til at forskønne sig selv for at beholde deres job i kølvandet på den asiatiske finansielle krise i 1997.

Derefter blev Heng fotograferet klædt i Singapore Airlines-flygtninges kebayauniform på kulturarv i 'Singirl' (2000) for samtidig at stille spørgsmål til kvindelige stereotyper og nedrivning af disse steder til økonomisk udvikling. Det blev forlænget i 2011, da Heng inviterede andre kvinder til at slutte sig til hende for at danne en 'Singirl' kontingent online, ved at indsende fotografier af deres blotte bund, som derefter blev uploadet til et offentligt galleri anonymt. Dette var i en forespørgsel om flere spørgsmål tæt på Hengs hjerte, herunder kønspolitik og identitet.

Hengs nuværende projekt fortsætter i denne synergistiske tradition. Heng arbejdede tæt sammen med 12 deltagere for at afsløre historierne bag de genstande, de skattede. Det var en fælles indsats med streng forskning udført af både kunstneren og deltagerne. ”Hver deltager bragte et objekt og delte sin historie, og gennem det indså vi, at vi var nødt til at vide mere, og så ville de vende tilbage til deres familie eller nogen, der kunne fortælle dem mere om objektet,” siger Heng. ”Forskningen var afhængig af deltagerne, fordi objekterne tilhørte dem. Min rolle var at fremhæve ting, som jeg havde brug for at vide mere om. ”

Processen var beregnet til at være åbenbarende ikke kun for kunstneren, men også for deltagerne, og Heng sørget for, at dette skete ved at tage ting langsomt. Heng siger: ”Vigtigheden eller værdien af ​​disse genstande bliver tydeligere for deres ejere, efter at de har foretaget forskningen og gennem deling af historier mellem mig og deltagerne. Med andre ord, før og efter at dette projekt er foretaget, vil måden, de ser på dette objekt på, være anderledes. ”

Efterhånden som forskningen udbredte mere information, besluttede Heng at oprette collage-værker for at fange det, hun pakker ud med deltagerne fra objekterne. Collage værker antages i forskellige former inden for rammer i samme størrelse ved hjælp af trykning og papirfremstilling, fra papirudskæringer af bougainvillaea i et til Polaroid-billeder i et andet. ”Jeg startede hele denne ting uden visualiseret resultat,” siger Heng. ”Jeg ville bare lade hele processen gå og fortsætte, så den til sidst bliver beriget med masser af materiale. Det blev derefter klart for mig, at det måtte være en collage. ”

For at bevare og præsentere de enorme mængder information, der blev produceret fra bestræbelserne, bruger udstillingen Quick Response (QR) -koder til at give yderligere data til collagerne for at fortælle hvert objekts historie. ”QR-koden skete, fordi delingen skete gennem mange tilstande, såsom tekster og lyd. Selvfølgelig har vi samlet mange fotografier og video, ”siger Heng. ”I stedet for at vælge og kassere materialer, blev QR-koden en interessant måde at engagere den brede offentlighed til at komme ind i.” Besøgende scanner koden med en mobil-tagging-app på en smartphone, som linker til korte videoer, interviews og slideshows.

QR-koderne får en fremtrædende placering i udstillingen. I stedet for at optræde i det sædvanlige beskedne størrelse i sort / hvid-format, gengives det i samme størrelse som collagearbejdet og i samme farveskema som collagearbejdet, det supplerer, idet det understreger vigtigheden af ​​forskningsresultaterne.De udvider publikums deltagelse i kunstværket og giver ejerskabet til publikum deres oplevelse af kunstværket, hvad enten de vælger at finde ud af mere om et bestemt kunstværk eller ikke om andre.

Scanning af QR-koden, der ledsager et lappepapir af brunt papir, hvorpå der er indskrevne tekster som "Japan", "Australien", "Singapore" og "Anchor In Me = Home", og tegninger af mennesker som en mand iført hat, vi bringes til en fire minutters video med titlen 'Haruka / Leaf with a Name', hvor vi ser bagsiden af ​​en kvinde, formodentlig af deltageren Haruka, der påtager sig rollen som dirigent for en japansk sang om livet levet som eksemplificeret af et blad. Mens hvert collagearbejde ikke direkte kan henføres til hver deltager, da alle værker er et, anerkendes de i kataloget.

I et andet arbejde, der fremkom fra mindesmærket for en person, der døde, fører QR-koden til et radioprogram om processen med helbredelse, der muliggør, at det personlige arbejde åbnes op på en mere generel måde. ”De er faktisk større indhold eller flere historier fra andre mennesker, fra offentligheden. Dimensionen var meget anderledes og ikke kun om mig selv og det andet individ. Det handler om det større billede og forholder sig stadig til dette objekt, ”siger Heng.

Mens projektet beskæftiger sig med minder, bemærker Heng, at det ikke handler om nostalgi. For eksempel er et af objekterne en vaskegaffel lavet af grenen af ​​et guavatræ, ​​bragt af barnebarn. Til dette ønskede Heng at understrege deltagerens bedstemors kreativitet, og hvordan folk generelt tilfredsstiller det, de har til deres rådighed. Her var bedstemøderen i stand til at se, at guavatreet var det bedste valg til vaskeregaflen baseret på hendes viden om sit miljø gennem sin rige levede oplevelse.

For at fremhæve menneskets universelle tilbøjelighed og evne til at være opmærksom, forbinder Heng oprettelsen af ​​denne særlige vaskegaffel til opfindelsen af ​​fjernsynet, der opstod omtrent på samme tid af Philo Taylor Farnsworth, den foreløbige idé, som han havde udviklet sig til stadig i gymnasiet. Det er en fejring af menneskelig kreativitet, der har potentialet til at forbedre ens liv og de omkring os og undertiden for hele verden.

Heng demonstrerer gennem udstillingen, at den individuelt levede oplevelse, uanset hvor personlig den oprindeligt kan fremstå, er relatabel og universel, og at historier har magten til at få os til at forstå os selv og hinanden bedre.

Denne artikel blev først offentliggjort i Art Republik.