Til uendeligt og videre med Jahan Loh

Dette er ikke et eventyr. Dette er en Luke Skywalker-underhundshistorie om Art Republik coverstjerne Jahan Loh (f. 1976), en singapansk moderne kunstner, der i øjeblikket har base i Singapore; forsøger stadig at finde et hjem i sit hjemland og ville sandsynligvis miste en arm, før han endelig gør det. Hans filosofi om kunst og kunstneren er lige så ligetil og fremadrettet som den bliver: ”Moderne kunst gentager det moderne liv, da begge er i stadig udvikling. Kunstnere skal være følsomme over for ændringerne i deres miljø, eller det kan vise sig at være farligt, hvis de går på deres kreative rejse uforberedt. De bør konstant udvikle og ændre deres praksis og bør kontinuerligt stræbe efter at introducere nye visuelle elementer til at stimulere deres publikum. ”

Jahan mener, at en kunstner bør være parat til at komme videre med den stadigt skiftende verden, ikke nødvendigvis for at bryde traditionen, men genopfinde den og altid holde et åbent sind; det handler om at omfavne forandring, ikke bekæmpe det; om at være kommerciel, men ikke sælge; om selvudtryk, ikke selvberøvelse; om lidenskab, ikke propaganda.

Jahan trak altid en tur uden for vejen og afviste en karriere inden for en juridisk art for en kunst, da han accepterede et stipendium i kunst ved LASALLE College of the Arts, Singapore, fra Singapore Press Holdings (SPH). Forfatter og kurator Alexandra Chang skriver i sin introduktion til Jahans bog, en, der kortlægger hans kunstneriske rejse fra 2013 og før, med titlen 'Grundlæggende instruktioner før han forlader jorden' (2013), at “[t] han anmoder om fokus på abstraktion på skolen ved tiden stod i modsætning til hans interesse for popkulturelle ikoner og figurative former. I et forsøg på at komme til udtryk med begrænsningerne i hans situation skabte han et værk, der indarbejdede en negativ evaluering fra lektoren i sit program og en række tidligere kritikker på hans maleri, idet han nævnte Basquiat som sin indflydelse på det tidspunkt ”.

Palm Boy, 2009

Jahan fortsatte med at vinde Nokia's opmærksomhed, men mistede respekten for LASALLE-kunstafdelingen, som næppe passerede ham. Nokia overrakte ham imidlertid en pris på deres Nokia Regional Awards Show 2000 efter en rejse-gruppeshow, der besøgte Singapore, Kuala Lumpur, Taipei, Beijing, Hong Kong og Auckland.

Efter uddannelsen fra LASALLE fortsatte han sine studier med hovedgrad i design og fik sine kandidater fra University of New South Wales, før han vendte tilbage til Singapore for at tjene sit stipendium inden for SPH-afdelingen i The Straits Times hvor han arbejdede som kunstner og skabte tegneserier og infografik til det nationale papir. Han brød hans bånd med SPH inden for et år og flyttede til Taipei, Taiwan, i 2002, efter at han blev tilbudt et job der, hvor han arbejdede i MACHI Entertainment under Jeffrey Huang, virksomhedens kreative direktør.

I Taipei fik Jahan berømmelse for sine tegninger til Machis (hip hop-gruppe) cd-ærme-design og bandets musikvideoer. Han vandt adskillige taiwanesiske musikpriser, herunder MTVs CD-omslag Design of the Year. Med boom i den taiwanske musikindustri oprettede han Invasion Studios i 2004 sammen med Jeff og hans bror Stanley Huang for at designe albumcover og musikvideoer. Med fremme af MP3- og musikdownloads faldt branchen, og Jahan vendte Invasion Studios retning mod kunst og animation, som omfattede fremstilling af vinyllegetøj. Hans arbejde både som kommerciel og billedkunst / gadekunstner markerede en ny tilgang til kunstpraksis i Taiwan.

Svinekød Luncheon C, 2011

Jahan er den slags fyr, der gør og ikke tager livet alvorligt. Han følger sine instinkter, uanset hvor de måtte tage ham. Han minder om: "Når jeg tænker tilbage, troede jeg ikke, at det hele ville blive så stort ... men dengang var vi stadig et meget lille samfund."

I 2005 rejste Jahan til New York, hvor han samarbejdede med sin barndomsidol John 'CRASH' Matos for at forberede sig på to back-to-back-udstillinger, der blev sat til juni 2006. Mens han i New York, mødte Jahan også kunstneren fase 2, der sluttede op med at spille en central rolle i kultiveringen af ​​Jahans identitet som person og kunstner.

”Du har asiatisk ret, men du maler som det, vi gjorde i 70'erne. Så hvor er din identitet? ” Jahan husker fase 2 spurgte ham. ”Da han sagde det, fik han mig virkelig til at tænke: Det er sandt, at jeg er kinesisk, jeg er Singaporeaner, men mange mennesker i Kina tror, ​​at jeg er taiwanesisk, så hvad er jeg? Der var denne periode, hvor jeg virkelig tænkte hårdt. ”

The Clash, 2013

Alexandra Chang skriver: ”At komme ud af denne oplevelse… [Jahan] begyndte at holde sin pensel på kineserne mao bi style og male sit manuskriptbaserede værk i sort og hvidt under henvisning til kinesisk kalligrafisk tradition. Alligevel omfattede dette kun en del af… [Jahans] kunstneriske tilhørsforhold og kryds som en kunstner, der blev uddannet på gaderne i Singapore, Tokyo og Taiwan, samt kunstskole og formet af graffitikunstnere fra 1970'erne og 1980'erne i New York City og dens bølge af global indflydelse og det internationale fænomen legetøj, manga og tegneseriekultur. Efter at have kæmpet med begrænsningerne i kunstverdenen og de nationale mærker af graffiti og gallerist, design og kunst, og hans egen kulturelle identitet ... [Jahan] befandt sig at leve inden for rummet med flere overlappende identiteter med flere mulige potentielle kategorier. ”

I 2006 blev hans arbejde med CRASH udstillet i Esplanade, Singapore, med titlen 'Collison I' og 'Collison II'. Dette var den første graffiti-kunstudstilling, der blev afholdt i en formel kunstinstitution i Singapore. I 2007 underskrev Loh med Mingart Gallery i Taipei og afholdt sin første Taipei solo-popkunstudstilling i 2008, 'Cherry Pop II'. Den kontroversielle udstilling skildrede suggestive nøgenmalerier og skulpturer, der fik ham megen opmærksomhed fra medierne.

Cherry Pop II, Jahans første Taipei solo-popkunstudstilling i 2008, på Mingart Gallery

”‘ Cherry Pop “er et koncept, som jeg udtænkte i 1998 og aktualiserede i 2003, da de malerier, jeg oprettede til denne serie, blev udstillet i mit første soloshow i Singapore. Jeg gjorde det ikke kun for at stimulere eller appellere til mit publikum; det var mere et personligt projekt at udforske identitet gennem et spektrum af følelser, ”forklarer Jahan.

Taiwanske kritikere anerkendte ham som en af ​​de vigtigste kunstnere, der har gjort Singapore-popkunst international. Også det år i 2008 blev han valgt til 8Q-RATE, den første udstilling af 8Q SAM i Singapore. Efter showet tog han et års sabbatsdag, før han vendte tilbage i 2009 med et soloshow i 798, Beijing, Kina, som blev sponsoreret af VANS; udstillingen 'The Great Wall' var landets første gokunstudstilling.

”Moderne visuel kultur omfatter en bred vifte af praksis på tværs af discipliner, industrier og medier,” siger Tan Siuli fra Singapore Art Museum. ”Af disse har måske ingen fået så meget synlighed i de senere år så meget som graffitikunst, delvis drevet af den stigende popularitet fra udøvere som Banksy og Shepard Fairey, hvis vildt kritiske kommentarer peber det urbane landskab som tilfældige møder på gadehjørner og murvægge. ”

I 2010 skabte Jahan malerier og skulpturer af ikoniske popemner som et kollektiv med Jakuan Melendez fra den tidligere 360 ​​Toy Group, og Hong Kong-skuespiller Edison Chen, der gik af monikeren ‘Etelier des Chene’. Trioen udnævnte sig til 'Treacherous Treis' og udstillede deres arbejde på Museum of Art & Design, Singapore. Blandt disse ikoniske popemner er hans "Hello Pussy" (2010) -serie mest bemærkelsesværdig, som i det væsentlige er fiberglasskulpturer af en blåfarvet Hello Kitty-karakter, der hver er omgivet af en pool af varmt lyserødt blod.

Alexandra Chang skriver: ”Når den bringes ind i rammerne for det større udvalg af kunstnerens værker, er denne skulptur ('Hello Pussy') parallel med den åbenlyst seksualiserede, hukende blå fiberglas kvindelige form, omgivet af en rød plastikpulje med menstruationsblod i 'Cherry Pop Pige 'fra sin' Cherry Pop 'serie. I 'Hello Pussy' skifter værket fra et mere ligetil ungdommelig blik over på kvindelig seksualitet, og signaliserer i stedet et skuespil om uskyld og de lagdelte og multivalente synspunkter, som kunstneren er i stand til at samles gennem komprimering af mange øjeblikke af tid i en enkelt ramme - alt sammen markeret med et barndomsikon, der går over i voksen alder. ”

Efter at have tilbragt ni år i Taiwan, flyttede Jahan tilbage til Singapore i 2011, hvor han skabte sin serie 'Cherry Poke: Reconstructed Philosophies' (2011), der blev udstillet i forskellige udstillinger, herunder et soloshow i 2011 på Esplanade, Singapore, og et gruppeshow i 2012 med titlen '15 Minutes Eternal ', en Andy Warhols udstilling på ArtScience Museum, Marina Bay Sands, Singapore.

”Jeg ønskede at bryde væk fra min gamle figurative stil og skabe en række stillebenværker, der definerer min nationalitet som en singaporer, som jeg følte, at efter at have tilbragt ... år i Taipei, skriver nogle af de kinesiske kunstmagasiner, at jeg er taiwanesisk, ”Siger Jahan.

Borte til hundene, 2013

Derefter i 2013 blev oprettelsen af ​​'Working Class Hero' (2013), hvor Jahan re-kontekstualiserede ikonografi og popkultur i et soloshow i Chan Hampe Galleries på Raffles Hotel, Singapore. 'Working Class Hero' introducerer nye måder at overveje velkendte fortællinger og hylde med de hverdagens usete helte gennem pop og religiøse referencer, der udforsker en moderne undersøgelse af Singapore og videre.

”Disse ikoner, der er trukket fra massemedier, handler ikke om at vinde øjeblikkelig popularitet, men at få en forbindelse til at bringe sociale subtiliteter i lyset, så de kan blive ærligt udforsket,” siger Jahan. ”Fra superheltene, der kæmper for retfærdighed i den komiske verden til de menneskelige helte, der gør en forskel hver dag i den virkelige verden ... ['Working Class Hero' er] en rekord til handlinger med usete helte ... Dekonstruktionen af ​​populære ikoner i min nye serie blev udført for ikke kun at udføre en kritisk eller filosofisk opgave, men også en intergalaktisk: at ændre ens opfattelse af virkeligheden og åbne nye rum for at være og blive; en der dækker i muligheden for nye former, nye kroppe og nye sind. ”

I løbet af de næste to år udgav Jahan 'Grundlæggende instruktioner før han forlader jorden' (2013), en bibel om hans oversættelse; deltog i et fire måneder langt ophold på ESKFF i MANA Contemporary, Jersey City, New Jersey, USA; opgav bachelorhood; samarbejdede forskellige bestillinger, herunder et med Singapore-baseret sneakerforhandler Limited Edt for åbningen af ​​deres niende butik, hvor han skabte en livsstørrelse på 150 kg Michael Jordan-skulptur med titlen 'Full Metal Twenty Three' (2014); og begyndte at forberede sig på sin nye serie ‘STATIC PARITY:’ (TBA).

Fra at være kendt som 'Dazed-J', da han første gang forayed i street art i begyndelsen af ​​90'erne, til at have sit eget 'jahan-loh' -tag på (muligvis den mest populære gadekulturwebsted i verden) Hypebeast, Jahan er en billedkunstner, der er en del-fra-fremtiden, en del-modkultur og har teknikker og et tankesæt, der er en del-fine-art, en gade. Hans arbejde er både highbrow og lowbrow, vittig, men ikke over-intellektualiseret, legende, men alligevel velsmagende. Fra neopop-piger til intergalaktiske helte, kappekrydsere til dragonchasers, Jahans verden af ​​grafiske vidunder er fyldt med populært billedsprog, syrevasket drømmekunst og kryptisk ordspil.

The Risen 1, 2013

Det er sandsynligvis en af ​​Singapores førende kunstnere, han har repræsenteret Singapore i New York, Los Angeles, Glasgow, Melbourne, Japan, Malaysia, Hong Kong, Korea, Taiwan og Kina; og samarbejdede med massive globale mærker som Nike, Adidas, VANS, Sony og Reebok; med værker i mange private samlinger og museer over hele verden. Art Republik fanger telepatisk op med sin to-års jubilæum 'Jedi Master' coverstjerne (siden at være en del af 'Guardians of the Garden City' kollektive kunstner tilbage i udgave fem, Art RepublikEr et års jubilæumsudgave) for at vælge hans hjerne på den kunstneriske scene i Singapore, og hvad han laver i disse dage.

Du har haft stints i mange lande som New York og Taiwan, hvordan er det at være en kunstner i Singapore? Hvad synes du om den kunstneriske scene i Singapore?

At være væk i næsten et årti og vende hjem for at oprette mit studie har været en rigtig tur. Jeg indså, at regeringen har bygget et enormt drivhus til at dyrke den singaporeiske kunstscene, i en af ​​de dyreste byer i verden.

Ting sker meget mere organisk i lande, som jeg har vist. I løbet af mine otte og et halvt år i Taipei voksede min karriere inden for kunst organisk, da jeg blev udsat for markedskræfter ved indgangen til dette kunstfelt. Jeg vidste ikke om de omfattende kunstfinansielle ordninger og infrastruktur, der blev tilbudt af National Arts Council (NAC) for singaporeiske kunstnere, da jeg var i Taipei.

Det var udfordrende for mig at finansiere mig selv og overleve at være en kunstner på fuld tid, styre min studioleje, materielle omkostninger og irritation over forskellige aspekter af næring, men jeg gætte, at alt skete af en grund, og disse forskellige baggrundsvinkler og oplevelser spillede en del i udformningen af ​​min kunstpraksis.

Through the Fire, 2011

Jeg var uden indkomst i to år, da jeg var i Taipei og forberedte mig til min første soloshow, og efter den barske sæson indså jeg, at intet muligvis kunne blive værre, hvis jeg kunne leve igennem det. Når du overlades til at overleve i verden uden noget testrør tilsluttet, gør det dig mere modstandsdygtig og ikke kun i stand til at overleve, men trives.

Tilskudssystemet er fantastisk som en kickstarter og et godt understøttelsessystem for kunstnere til at benytte sig af ordninger for at nå større højder. Jeg tror, ​​at med et godt system til støtte, skal kunstneren genopfinde os selv og tænke ud over vores lokale publikum og skabe opmærksomhed og udvikle en efterfølgende oversøisk og skabe en niche. Tilskudssystemet er et middel, ikke et mål. Det er ikke godt for kunstnere at være alt for afhængige af det. Selvom tilskudssystemet blev oprettet for at hjælpe kunstneren med at vokse, er mange kunstnere for spoon, der bliver fodret med det, at denne støtte forhindrer en kunstners vækst.

Et flertal af de lokale kunstnere føler sig bange, når de forlader skolen og risikerer ikke at blive kunstner på fuld tid. De fleste går tilbage til deres komfortzone, der underviser i skolen. Med et heltids dagjob som underviser lyser vores lokale 'kunstner' måneskinn og skaber kunst på deltid. Jeg ser ikke dette som et sundt tegn, da begge karrierer er kompromitteret.

Kreativitet gælder ikke kun i kunstværkerne, men det er en holistisk tilgang til, hvordan kunstnere driver deres kunstpraksis. Jeg er ofte blevet brandet som en kommerciel kunstner, fordi jeg ikke passer ind i den traditionelle form for at være en 'ren' kunstner med abstrakte koncepter, som kun et udvalgt få kan forstå. Min kunst er et refleksivt udtryk for det samfund og den forbrugerkultur, som jeg voksede op i. Popkunst, som jeg har tendens til at klassificere mine værker som, skal nå ud til masserne, for at forenkle abstrakte begreber i elskelige og æstetiske behagelige former, det være sig maleri, skulptur eller endda merchandise, som jeg til tider betragter som kunst. Den differentierende kendsgerning er, at jeg stadig vil skabe og lave mine skulpturer, selvom de ikke imødekommer markedets behov. Jeg vil ikke bøje mit koncept eller stil. Min kunst og hvad markedet ønsker kan løbe parallelt, men de vil aldrig mødes.

Dette er hvad popkultur handler om; hvis du kan lide noget, har du en tendens til at købe det, så jeg er forvirret af puristkunstnere, der beskriver min kunst som kommerciel, når de er så overfladiske at bedømme kunsten efter dets æstetik. Dette viser bare, hvor myopisk man kan være, når man tilbringer en hel karriere overlever i et drivhus beskyttet mod elementerne. Store mestre som Salvador Dali tog på sig moderne bestillinger, og han designede endda Chupa Chups-logoet. Storheder som Picasso, Gaudi og Andy Warhol havde alle en fod i den kommercielle verden, da deres kunst er relevant for tiden. Dette virker dog som et vanskeligt koncept for kuratorer og kunstnere at forstå her i Singapore. Vores kunstmarked er ret ung med en accelereret vækst i infrastruktur og kunstmesser.

Kunst er et nøgleinstrument til Singapores strejf om at blive et første verdensland. Kunsts immaterielle værdi er en vigtig komponent for at skubbe kunsten ud for at projicere Singapore som en udviklet global by.I Taiwan er den gennemsnitlige taiwanske middelklasse klemt fast, og de har det meget sværere end Singaporere. Alligevel den måde, de har på kunsten - det er en del af deres liv, tydeligt i deres selvudtryk, hvordan de klæder sig, hvordan de forskønner deres hjem, deres hverdag - taiwaneserne omfavner og vedtager denne livsstil. Desværre føler jeg, at kunst i Singapore ikke har haft tid til at vokse organisk; og det kan tage årtier at bygge.

Hvad mangler vi i Singapore for at opnå det?

Vi har gode gallerier og museer, men desværre mangler vi indholdet og softwaren til at udfylde disse institutioner. Indholdet udfylder ikke plads, men faktisk trækker målgrupper, der vil se værkerne. Jeg tror, ​​der er plads til mere indsigtsfulde kuratorer, der kender strømmen og giver mening om lokal kunst, og har flere udenlandske kuratorer fra vest for at give et nyt perspektiv på vores kunst, da det er svært for os at se os selv fra et tredjepersonspunkt af udsigt. Jeg tror også, at vi har brug for erfarne kunstnere som undervisere, der kan forberede studerende til en karriere som kunstner.

Hvad er indtrykket af Singapore kunstscene i siger, New York?

Jeg er ikke særlig sikker på, hvad de synes, men de fleste New Yorkere synes stadig, at Singapore er en del af Kina ...

STATISK PARITY (preview)

Fortæl os mere om alle dine mere bemærkelsesværdige samarbejder som kunstner.

Jeg synes, at samarbejder altid er interessante, da det bringer kunstner eller organisationer sammen for at skabe noget nyt. Jeg antager, at det mest interessante for mig var at arbejde med John 'CRASH' Matos i Singapores første institutionaliserede graffiti-gade-kunstshow, hvilket var ret relevant, da CRASH var et af grundlæggende medlemmer af denne kunstform, og en pioner i New York-graffiti-kunstner, der udstillet sammen med Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat og Keith Haring. Andre interessante samarbejder var med kommercielle mærker som Adidas, Vans og Reebok, hvilket gav min kunst en platform, der skal vises og udtrykkes på et helt andet medium. Jeg havde min første soloshow i Beijing, som blev sponsoreret af VANS, og jeg var glad for, at de mennesker, der kiggede på showet, ikke kun var folk fra kunstsamfundet, men fra unge, der normalt ikke ville trænge ind i et galleri. Jeg tror stadig på kunst for offentligheden, og om de får mit koncept i et show, er de i det mindste udsatte for det.

Der ser ud til at være en stigende tendens, at kunstnere ikke er dem, der faktisk skaber deres kunstværker mere. I stedet kommer de bare med ideer, og de får andre mennesker til at oprette deres værker, især med skulpturelle værker. Hvad er din mening om dette som en kunstner, der skaber en masse skulpturer? Ser du dette som et problem? Deltager du også i denne proces? Fortæl os samtidig din kunstneriske proces.

Jeg antager, at det er post-modernismen i fuld gang ... forfatterens død. Jeg er smukke hænder på mig selv og udfører alle mine malerier alene, der tegner mig for min lave produktivitet, da jeg har en tendens til at være besat med tvang med mine malerier, indtil de endelig er løst. Med mine skulpturer er de en udvidelse af min teenage-hobby til at lave 1/6 legetøj i skala, og de selvlærte færdigheder, jeg plukket op og derefter lave hovedskulpturer af figurer, fik mig til at skabe min kunst i 3D, der startede i 2007 i Taipei. Jeg tog fire måneder på at oprette min første "Cherry Pop" -pigtskulptur i livsstørrelse, der startede fra en maquette. For nylig har jeg arbejdet mere med metal og overfører støbeprocessen til et støberi, der hjælper med at fremstille formen og støbe bronzeskulpturer.

Fortæl os om din seneste serie, og hvad den handler om.

‘STATIC PARITY:’ er den serie, jeg arbejder på nu, og den blev konceptualiseret under mit kunstophold på ESKFF på MANA Contemporary.

‘STATISK PARITY: GENESIS’: Mennes søgen efter sandhed og viden er altid begrænset til størrelsen på vores hjerner. Universet er altid i en tilstand af statisk paritet og i konstant lighed. Søgningen efter menneskets oprindelse kan findes i religiøse tekster både fra jødedom og kristendom. Selv med moderne videnskab er det umuligt at skabe liv fra ikke-liv, så hvordan kom vi mennesker til at være? Menneskenes indre essens er lavet af højere, åndelig energi såvel som den energi, som materialet udviklede sig til. Massen gør kun noget materiale synligt dækning af denne energi. På grund af dets højere styrke kan den åndelige påvirke de lavere energier, hvor materialet også hører hjemme, og det kan kontrollere det. Folk, der har nået perfektion på ethvert livssfære, sagde, at alt er lavet af sig selv.

Fra min undersøgelse og fortolkning af Adam og Eva forsøger jeg at skabe deres åndelige aura i det øjeblik, som mennesket faldt.

Historiekreditter

Tekst af Marc Wong

Denne artikel blev oprindeligt offentliggjort i Art Republik